Tete Montoliu Trio • Catalonian Fire

 

 Vicente Montoliu Massana, was born in Barcelona Spain in 1933.The son of a Barcelona symphony woodwinds player, he was born sightless. When he was seven, there were two events that shaped his life: he learned to read music in Braille and he heard recordings by Duke Ellington. Montoliu studied classical piano at the Barcelona Conservatory, and was known as a local piano sensation.

His early interest in jazz was further stimulated when the great saxophonist Don Byas lived for a time in the Montoliu home. By age 17, Montoliu was leading jam sessions at a Barcelona theater.He made his international debut when he was invited on a European tour by Lionel Hampton in 1955, and in 1956 he recorded with the band. The possessor of astonishing technique, Montoliu exhibited warmth, deep feeling, and humor in his playing. In the 1960s and '70s, he worked with an array of leading jazzmen including Roland Kirk, Dexter Gordon, Kenny Dorham, Archie Shepp, and Ben Webster. By the early 1960's, he was recognized as one of Europe's top jazz musicians. He traveled around Europe, and landed the house pianist job at the Café Montmartre in Copenhagen. Upon his return to Spain he began to perform and record prolifically mainly for the Steeplechase label. He garnered quite a reputation as a reliable jazz virtuoso, and his services were repeatedly called upon by visiting American jazzmen.

He recorded abundantly alone and with trios, almost always for European companies. “Lunch in L.A.,” his only album for an American label, found him in 1979 in great form playing solo on standards and originals. He created a prodigious body of work and amassed an impressive catalog of close to sixty records as a leader alone. He was also featured pianist on hundreds of European dates with scores of musicians. Montoliu was also quite comfortable covering classic Spanish boleros, the songs of Jobim, and exploring Brazilian and Cuban inspired rhythms, where he accompanied various female vocalists in these diverse genres.

He did a series of trio sessions based around the “Catalonian Nights” theme, which were recorded with Albert “Tootie” Heath and John Heard. These are available as Volumes I II and III, from Steeplechase. One of his last great recordings was a 1990 trio date with bassist George Mraz and drummer Lewis Nash, “The Man from Barcelona.” The session draws from standards and timeless jazz compositions, all played with Montoliu's inventive touch. He throws quite a few twists into his complex setting of “Stella by Starlight,” shows off his chops in an intense workout of “Autumn Leaves,” and pulls out all stops with the furious rendition of “A Night in Tunisia.” The pianist's lyrical side is showcased in the blues and ballads offered. The album was released a few years after his death, which was 1997.

Tete Montoliu personified the atypical jazz pianist, being from a diverse culture, he was capable to not only express musically his own heritage, but became proficient in playing his individual interpretations of American jazz in its swing to bop variations.

Source: James Nadal

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Vicente Montoliu Massana, nacido en Barcelona, España, en 1933, hijo de un músico de instrumentos de viento sinfónico de Barcelona, nació ciego. Cuando tenía siete años, hubo dos acontecimientos que marcaron su vida: aprendió a leer música en Braille y escuchó grabaciones de Duke Ellington. Montoliu estudió piano clásico en el Conservatorio de Barcelona, y fue conocido como una sensación local de piano.

Su temprano interés por el jazz se estimuló aún más cuando el gran saxofonista Don Byas vivió durante un tiempo en la casa de Montoliu. A los 17 años, Montoliu dirigía jam sessions en un teatro de Barcelona, debutó internacionalmente cuando fue invitado por Lionel Hampton a una gira europea en 1955, y en 1956 grabó con la banda. Poseedor de una técnica asombrosa, Montoliu mostró calidez, sentimiento profundo y humor al tocar. En los años sesenta y setenta, trabajó con una serie de importantes jazzistas, entre ellos Roland Kirk, Dexter Gordon, Kenny Dorham, Archie Shepp y Ben Webster. A principios de los años 60, fue reconocido como uno de los mejores músicos de jazz de Europa. Viajó por toda Europa y consiguió el puesto de pianista en el Café Montmartre de Copenhague. A su regreso a España comenzó a actuar y a grabar prolíficamente, principalmente para el sello Steeplechase. Se ganó una gran reputación como un virtuoso del jazz confiable, y sus servicios fueron repetidamente solicitados por los jazzistas estadounidenses que lo visitaban.

Grabó abundantemente solo y con tríos, casi siempre para empresas europeas. "Lunch in L.A.", su único álbum para un sello americano, lo encontró en 1979 en gran forma tocando solo con estándares y originales. Creó una prodigiosa obra y acumuló un impresionante catálogo de cerca de sesenta discos como líder por sí solo. También fue pianista en cientos de citas europeas con partituras de músicos. Montoliu también se sintió muy cómodo cubriendo boleros clásicos españoles, las canciones de Jobim y explorando ritmos inspirados en Brasil y Cuba, donde acompañó a varias cantantes femeninas de estos diversos géneros.

Realizó una serie de sesiones de trío basadas en el tema "Noches catalanas", que fueron grabadas con Albert "Tootie" Heath y John Heard. Estos están disponibles como Volúmenes I II y III, de Steeplechase. Una de sus últimas grandes grabaciones fue una cita en trío en 1990 con el bajista George Mraz y el baterista Lewis Nash, "The Man from Barcelona". La sesión se basa en estándares y composiciones de jazz intemporales, todas ellas interpretadas con el toque inventivo de Montoliu. En su complejo entorno de "Stella by Starlight", muestra sus habilidades en un intenso ejercicio de "Autumn Leaves", y hace todo lo que puede con la furiosa interpretación de "A Night in Tunisia" (Una noche en Túnez). El lado lírico del pianista se muestra en el blues y las baladas que se ofrecen. El álbum fue lanzado unos años después de su muerte, que fue en 1997.

Tete Montoliu personificó al atípico pianista de jazz, siendo de una cultura diversa, fue capaz no sólo de expresar musicalmente su propia herencia, sino que también llegó a dominar sus interpretaciones individuales del jazz americano en sus variaciones swing to bop.

Fuente: James Nadal

Idrees Sulieman • Bird's Grass

 

Jean-Luc Ponty • Sunday Walk

 

Biography
Jean-Luc Ponty is a pioneer and undispute master of violin in the arena of jazz and rock. He is widely regarded as an innovator who has applied his unique visionary spin that has expanded the vocabulary of modern music. Ponty was born in a family of classical musicians on September 29, 1942 in Avranches, France. His father taught violin, his mother taught piano. At sixteen, he was admitted to the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, graduating two years later with the institution's highest award, Premier Prix. In turn, he was immediately hired by one of the major symphony orchestras, Concerts Lamoureux, where he played for three years. While still a member of the orchestra in Paris, Ponty picked up a side gig playing clarinet (which his father had taught him) for a college jazz band that regularly performed at local parties. It proved a life-changing jumping-off point. A growing interest in the jazz sounds of Miles Davis and John Coltrane compelled him to take up the tenor saxophone. Fueled by an all-encompassing creative passion, Jean-Luc soon felt the need to express his jazz voice through his main instrument, the violin. So it was that Ponty found himself leading a dual musical life: rehearsing and performing with the orchestra while also playing jazz until 3 AM at clubs throughout Paris. The demands of this doomed schedule eventually brought him to a crossroads. "Naturally, I had to make a choice, so I took a chance with jazz", says Jean-Luc. At first, the violin proved to be a handicap; few at the time viewed the instrument as having a legitimate place in the modern jazz vocabulary. With a powerful sound that eschewed vibrato, Jean-Luc distinguished himself with be-bop era phrasings and a punchy style influenced more by horn players than by anything previously tried on the violin; nobody had heard anything quite like it before. Critics said then that he was the first jazz violinist to be as exciting as a saxophonist. Ponty's notoriety grew with remarkable leaps and by 1964, at age 22, he released his debut solo album for Philips, Jazz Long Playing. A 1966 live album called Violin Summit united Ponty on stage in Basel, Switzerland with such notable string talents as Svend Asmussen, Stéphane Grappelli and Stuff Smith. In 1967, John Lewis of The Modern Jazz Quartet invited Ponty to perform at the Monterey Jazz Festival. Jean-Luc's first-ever American appearance garnered thunderous applause and led to a U.S.

Through the late-60s and early 70s, Ponty achieved mounting critical praise and popularity across Europe. In turn, the violinist soon found his signature talents in demand by top recording artists the world over. In 1969, Frank Zappa composed the music for Jean-Luc’s solo album King Kong (Blue Note). In 1972, Elton John invited Ponty to contribute to his Honky Chateau #1 hit album. Within a year - at the urging of Zappa who wanted him to join his band the Mothers of Invention - Ponty emigrated with his wife and two young daughters to America and made his home in Los Angeles. He continued to work on a variety of projects - including a pair of John McLaughlin/Mahavishnu Orchestra albums/tours (Apocalypse, Visions of the Emerald Beyond). In the meantime he became a prolific composer, signed on as a solo artist with Atlantic Records in early 1975, released his first album Upon The Wings Of Music that same year and started touring with his own band. For the next decade, Jean-Luc toured the world repeatedly and recorded 12 consecutive albums which all reached the top 5 on the Billboard jazz charts and sold millions of copies. Early Atlantic recordings, such as 1976's Aurora and Imaginary Voyage, firmly established him as a figurehead in America's growing jazz-rock movement. He went on to crack the top 40 in 1977 with the Enigmatic Ocean album and again in 1978 with Cosmic Messenger. In 1984, a revolutionary video featuring time lapse images was produced by Louis Schwarzberg for Individual Choice. Along with Herbie Hancock, Ponty became one of the first jazz musicians to have a music video. Besides recording and touring with his own group, Ponty also performed some of his compositions with the New Music Ensemble of Pittsburgh, the Radio City Orchestra in New York, as well as with symphony orchestras in Montreal, Toronto, Oklahoma City and Tokyo. In the late-80s, he recorded a pair of albums, The Gift of Time and Storytelling for Columbia. On 1991's Epic-released Tchokola, Ponty combined his acoustic and electric violins, for the first time, with the powerful polyrhythmic sounds of West Africa. He also performed for two months in the U.S. and Canada with a cast of African expatriates he had encountered on the Paris music scene. In 1993, Ponty returned to Atlantic in impressive fashion with No Absolute Time. Working with American and African musicians, Jean-Luc expanded on the explorations of Tchokola with a moving and soulful result. "There is a whole scene in Paris of top-notch African musicians", he says. "I was very curious and wanted to educate myself in these rhythms, which were totally new to my ears. In 1995, Ponty joined guitarist Al Di Meola and bassist Stanley Clarke to record an acoustic album under the name The Rite of Strings. This all-star trio also undertook a six-month tour of North America, South America, and Europe that earned them intercontinental critical praise. Ponty regrouped his American band in 1996 for live performances following the release of a double CD anthology of Ponty's productions for Atlantic Records entitled Le Voyage. One of these concerts was recorded in Detroit, Michigan, in front of 6000 fans. It was released in February 1997 by Atlantic Records under the title Live at Chene Park. In 1997, Jean-Luc Ponty put back together his group of Western and African musicians pursuing this new fusion that he started in 1991. Together they toured for 3 years from the Hawaiian Islands to Poland and triumphed in North America as well as in Europe. Ponty also performed a highly acclaimed duet with bassist Miroslav Vitous in December 99. In January 2000, he participated to Lalo Schifrin's recording with a big band, Esperanto. In June 2001, Ponty performed duets with Vadim Repin, the young Russian star of classical violin and also with American jazz violinist Regina Carter at the Film Music Festival in Poland. A universal approach to music which has always been the essence of Ponty's motivation and work. In August 2001, Jean-Luc Ponty released his new studio CD Life Enigma on his own label (J.L.P. Productions, Inc.), a return to his concept from the 70s with a very modern production. Ponty played all the instruments on some tracks and was joined by his band members for superb performances on other tracks: William Lecomte (keyboards), Guy Nsangué Akwa (bass), Thierry Arpino (drums) and Moustapha Cissé (percussion). Ponty gave an extremely successful concert with his band in his native town of Avranches, in the French province of Normandie, on September 21, 2001. He was also honored during a special ceremony at City Hall, finally gaining recognition from his compatriots. He then embarked on a very successful concert tour in the USA in October-November 2001, receiving strong and loyal support from his fans despite the uncertainty that followed the September 11 terrorist attacks. In May 2001, Ponty recorded a memorable concert with the same musicians at the superb opera house in Dresden, Germany. This recording was released in July 2002 on a CD entitled Live at Semper Opera (J.L.P. Productions, Inc. – Navarre Distribution in North America and Le Chant du Monde-Harmonia Mundi in Europe). In January 2003, Jean-Luc toured in India for the first time, 7 shows in 6 major cities for the Global Music Festival organized by Indian violinist L. Subramaniam. Jean-luc brought along his bassist Guy Nsangué Akwa, both performed with Subramaniam’s band and drummer Billy Cobham who was also a guest star on that tour. Ponty also did an extensive tour across the U.S.A. in the Fall. In 2004, the PAL version of Jean-Luc Ponty’s first DVD In Concert was released in Germany (Pirate Records 202756-9), in France-Italy-Spain (Le Chant du Monde/Hamonia Mundi 974 1195). The NTSC version was also released in 2004 in North America (J.L.P. Productions, Inc./Navarre Distribution JLP 004). It contains a live concert with his band filmed in Warsaw in 1999, mixed in 5.1 plus bonus materials, such as an 11-minute film of travels and backstage scenes. In Concert is also available on CD in some countries. Jean Luc Ponty & His Group toured in 2004 in France, Germany, Austria, Hungary, Lithuania and India, for their first concert as a whole band in Bombay. Ponty also did a reunion tour with Stanley Clarke and Al Di Meola as the Rite of Strings from June to October 2004 in the U.S.A. and Canada. In 2005, Ponty has been touring with a new project called Trio! in collaboration with Stanley Clarke on double bass and Bela Fleck on banjo. In 2006 Ponty reunited “Jean Luc Ponty & His Band” and toured in the USA, Chile, Venezuela, Western and Eastern Europe, Russia, The Middle East and India; they also recorded a new studio album called The Atacama Experience with guitarists Allan Holdsworth and Philip Catherine appearing on a few tracks. This new CD has been released in June 2007 by Koch Records in North America and by Universal in Europe, and received 4-stars in the US jazz magazine Down Beat as well as raving reviews internationally. Most critics say that it is one his best since Enigmatic Ocean. Concert tours followed the release of this album in the USA, Canada and Europe in 2007 and 2008. At the end of 2008 “Jean Luc Ponty & His Band” became a quartet without percussion, a return to the ‘Ponty sound’ of the 70s-80s in a jazzier version. 2009 started with a concert at the prestigious LA FENICE theatre in Venice, Italy, followed by more concerts overseas and a first appearance of JLP’s band in Mexico. In September Ponty performed as a guest of the Chick Corea - Stanley Clarke - Lenny White Trio along with Chaka Khan for a special evening at the Hollywood Bowl, with Stevie Wonder showing up by surprise for a jam at the end. Then in November JLP & His Band embarked on U.S. tour that started in San Diego, California and ended in New York City. In 2010 Ponty is scheduled to perform with his band in the Caribbean, Europe and Russia and also did several concerts in Europe as a duet with pianist German pianist Wolfgang Dauner. 2011 has been a great year for JLP. He received the "Jazz Legend Award" from the Mayor in Cork, Ireland after his performance with his band at the Guinness Jazz Festival. Altogether JLP performed 88 concerts in 2011, 75 of which with "Return To Forever IV" (36 in the USA - 21 in Europe - 6 in Australia - 6 in Japan - 2 in South Korea - 1 in Israel). The November tour in South America with the "Atlantic Years Band" was also a big highlight, a reunion of Jean Luc's American band members from the 80s. 2012 started with a concert in Sochi, Russia where world famous classical violist and conductor Yuri Bashmet remitted the Grand Prix of the Sochi Arts Festival to Jean Luc after his performance with his band. Then in April Jean-Luc gave a very special concert celebrating his 50-year career at Theatre du Chatelet in Paris, for which he performed his music with the Concerts Pasdeloup symphony orchestra and also with guests artists Stanley Clarke, Bireli Lagrene, Daniel Humair and Eddy Louiss. In January 2013 JLP participated to a gala in honor of Yuri Bashmet’s birthday with the State Symphony Orchestra New Russia in Moscow. Then in April Jean Luc Ponty & His Band performed at the Jazz Festival in Cape Town, South Africa. Also in 20013 Herbie Hancock invited him to perform in Istanbul at "International Jazz Day" for UNESCO with a cast of jazz stars such as Wayne Shorter, John McLaughlin and George Duke to name a few. Ponty also founded a new quartet with his daughter, pianist-singer-composer Clara Ponty for performances in France and Germany. Ponty also performed his music with the 89 musicians of the Novosibirsk Philharmonic Orchestra for the Siberian Christmas Festival. In 2014 Ponty has recorded an album as an acoustic trio with Stanley Clarke on double bass and Gypsy-French guitarist Bireli Lagrene, to be released on Impulse/Universal in the Fall 2015. Jean-Luc recently formed the Anderson Ponty Band with Jon Anderson, cofounder and lead singer of British progressive rock band YES, a CD and DVD will be released in 2015 followed by a world concert tour.

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Biografía
Jean-Luc Ponty es un pionero y maestro indiscutible del violín en el ámbito del jazz y el rock. Está ampliamente considerado como un innovador que ha aplicado su singular giro visionario que ha ampliado el vocabulario de la música moderna. Ponty nació en una familia de músicos clásicos el 29 de septiembre de 1942 en Avranches, Francia. Su padre era profesor de violín y su madre de piano. A los dieciséis años ingresó en el Conservatoire National Supérieur de Musique de París, graduándose dos años más tarde con el máximo galardón de la institución, el Premier Prix. A su vez, fue contratado inmediatamente por una de las principales orquestas sinfónicas, Concerts Lamoureux, donde tocó durante tres años. Cuando aún formaba parte de la orquesta de París, Ponty empezó a tocar el clarinete (que le había enseñado su padre) en una banda de jazz universitaria que actuaba regularmente en fiestas locales. Fue un punto de inflexión en su vida. Su creciente interés por los sonidos de Miles Davis y John Coltrane le llevó a tocar el saxofón tenor. Impulsado por una pasión creativa que lo abarcaba todo, Jean-Luc pronto sintió la necesidad de expresar su voz jazzística a través de su instrumento principal, el violín. Así fue como Ponty se encontró llevando una doble vida musical: ensayando y actuando con la orquesta mientras tocaba jazz hasta las 3 de la madrugada en clubes de todo París. Las exigencias de esta agenda condenada al fracaso acabaron por llevarle a una encrucijada. "Naturalmente, tenía que elegir, así que me decidí por el jazz", dice Jean-Luc. Al principio, el violín resultó ser una desventaja; en aquella época, pocos consideraban que el instrumento tuviera un lugar legítimo en el vocabulario del jazz moderno. Con un sonido potente que evitaba el vibrato, Jean-Luc se distinguió con fraseos de la época del be-bop y un estilo contundente, más influenciado por los trompetistas que por nada que se hubiera probado antes con el violín. Los críticos dijeron entonces que era el primer violinista de jazz tan emocionante como un saxofonista. La notoriedad de Ponty creció a pasos agigantados y en 1964, a los 22 años, publicó su primer álbum en solitario para Philips, Jazz Long Playing. Un álbum en directo de 1966 titulado Violin Summit reunió a Ponty en el escenario de Basilea (Suiza) con notables talentos de la cuerda como Svend Asmussen, Stéphane Grappelli y Stuff Smith. En 1967, John Lewis, del Modern Jazz Quartet, invitó a Ponty a actuar en el Festival de Jazz de Monterey. La primera actuación de Jean-Luc en Estados Unidos cosechó un aplauso atronador y dio lugar a una gira por ese país.

A finales de los sesenta y principios de los setenta, Ponty cosechó cada vez más elogios de la crítica y popularidad en toda Europa. A su vez, el violinista pronto se vio solicitado por artistas de todo el mundo. En 1969, Frank Zappa compuso la música del álbum en solitario de Jean-Luc, King Kong (Blue Note). En 1972, Elton John invitó a Ponty a colaborar en su exitoso álbum Honky Chateau #1. Al cabo de un año, a instancias de Zappa, que quería que se uniera a su banda Mothers of Invention, Ponty emigró con su mujer y sus dos hijas a Estados Unidos y se instaló en Los Ángeles. Siguió trabajando en diversos proyectos, como un par de álbumes y giras de la John McLaughlin/Mahavishnu Orchestra (Apocalypse, Visions of the Emerald Beyond). Mientras tanto, se convirtió en un prolífico compositor, firmó como artista en solitario con Atlantic Records a principios de 1975, publicó su primer álbum Upon The Wings Of Music ese mismo año y empezó a hacer giras con su propia banda. Durante la década siguiente, Jean-Luc recorrió el mundo en repetidas ocasiones y grabó 12 álbumes consecutivos que alcanzaron el top 5 en las listas de jazz de Billboard y vendieron millones de copias. Las primeras grabaciones de Atlantic, como Aurora e Imaginary Voyage, de 1976, le consagraron como figura del creciente movimiento jazz-rock estadounidense. En 1977 alcanzó el top 40 con el álbum Enigmatic Ocean y de nuevo en 1978 con Cosmic Messenger. En 1984, Louis Schwarzberg produjo para Individual Choice un revolucionario vídeo con imágenes a intervalos. Junto con Herbie Hancock, Ponty se convirtió en uno de los primeros músicos de jazz en tener un vídeo musical. Además de grabar y salir de gira con su propio grupo, Ponty también interpretó algunas de sus composiciones con el New Music Ensemble de Pittsburgh, la Radio City Orchestra de Nueva York, así como con orquestas sinfónicas de Montreal, Toronto, Oklahoma City y Tokio. A finales de los 80, grabó un par de álbumes, The Gift of Time y Storytelling para Columbia. En Tchokola, publicado por Epic en 1991, Ponty combinó por primera vez sus violines acústicos y eléctricos con los potentes sonidos polirrítmicos de África Occidental. También actuó durante dos meses en Estados Unidos y Canadá con un elenco de expatriados africanos que había conocido en la escena musical de París. En 1993, Ponty regresó al Atlantic de forma impresionante con No Absolute Time. Trabajando con músicos americanos y africanos, Jean-Luc amplió las exploraciones de Tchokola con un resultado conmovedor y lleno de alma. "Hay toda una escena de músicos africanos de primera categoría en París", afirma. "Tenía mucha curiosidad y quería instruirme en estos ritmos, que eran totalmente nuevos para mis oídos". En 1995, Ponty se unió al guitarrista Al Di Meola y al bajista Stanley Clarke para grabar un álbum acústico bajo el nombre de The Rite of Strings. Este trío de estrellas también emprendió una gira de seis meses por Norteamérica, Sudamérica y Europa que les valió el elogio de la crítica intercontinental. Ponty reagrupó a su banda estadounidense en 1996 para realizar actuaciones en directo tras la publicación de una antología en doble CD de las producciones de Ponty para Atlantic Records titulada Le Voyage. Uno de estos conciertos se grabó en Detroit, Michigan, ante 6000 fans. Fue publicado en febrero de 1997 por Atlantic Records con el título Live at Chene Park. En 1997, Jean-Luc Ponty volvió a reunir a su grupo de músicos occidentales y africanos para proseguir esta nueva fusión que había iniciado en 1991. Juntos estuvieron de gira durante 3 años desde las islas Hawai hasta Polonia y triunfaron tanto en Norteamérica como en Europa. Ponty también interpretó un aclamado dúo con el bajista Miroslav Vitous en diciembre del 99. En enero de 2000, participó en la grabación de Lalo Schifrin con una big band, Esperanto. En junio de 2001, Ponty interpretó dúos con Vadim Repin, la joven estrella rusa del violín clásico, y también con la violinista de jazz estadounidense Regina Carter en el Festival de Música de Cine de Polonia. Un enfoque universal de la música que siempre ha sido la esencia de la motivación y el trabajo de Ponty. En agosto de 2001, Jean-Luc Ponty publicó su nuevo CD de estudio Life Enigma en su propio sello (J.L.P. Productions, Inc.), una vuelta a su concepto de los años 70 con una producción muy moderna. Ponty tocó todos los instrumentos en algunos temas y se unió a los miembros de su banda para realizar magníficas interpretaciones en otros: William Lecomte (teclados), Guy Nsangué Akwa (bajo), Thierry Arpino (batería) y Moustapha Cissé (percusión). Ponty ofreció un concierto de gran éxito con su banda en su ciudad natal de Avranches, en la provincia francesa de Normandía, el 21 de septiembre de 2001. También fue homenajeado durante una ceremonia especial en el Ayuntamiento, obteniendo por fin el reconocimiento de sus compatriotas. A continuación se embarcó en una exitosa gira de conciertos por Estados Unidos en octubre-noviembre de 2001, recibiendo un fuerte y leal apoyo de sus fans a pesar de la incertidumbre que siguió a los atentados terroristas del 11 de septiembre. En mayo de 2001, Ponty grabó un memorable concierto con los mismos músicos en la soberbia ópera de Dresde (Alemania). Esta grabación se publicó en julio de 2002 en un CD titulado Live at Semper Opera (J.L.P. Productions, Inc. - Navarre Distribution en Norteamérica y Le Chant du Monde-Harmonia Mundi en Europa). En enero de 2003, Jean-Luc realiza su primera gira por la India, 7 conciertos en 6 grandes ciudades para el Global Music Festival organizado por el violinista indio L. Subramaniam. Jean-luc llevó consigo a su bajista Guy Nsangué Akwa, ambos actuaron con la banda de Subramaniam, y al batería Billy Cobham, que también fue estrella invitada en esa gira. Ponty también realizó una extensa gira por Estados Unidos en otoño. En 2004, la versión PAL del primer DVD In Concert de Jean-Luc Ponty se editó en Alemania (Pirate Records 202756-9), en Francia-Italia-España (Le Chant du Monde/Hamonia Mundi 974 1195). La versión NTSC también se editó en 2004 en Norteamérica (J.L.P. Productions, Inc./Navarre Distribution JLP 004). Contiene un concierto en directo con su banda filmado en Varsovia en 1999, mezclado en 5.1, además de material extra, como una película de 11 minutos de viajes y escenas entre bastidores. In Concert también está disponible en CD en algunos países. Jean Luc Ponty & His Group realizó una gira en 2004 por Francia, Alemania, Austria, Hungría, Lituania e India, en su primer concierto como banda completa en Bombay. Ponty también realizó una gira de reunión con Stanley Clarke y Al Di Meola como Rite of Strings de junio a octubre de 2004 en EE.UU. y Canadá. En 2005, Ponty ha estado de gira con un nuevo proyecto llamado Trio! en colaboración con Stanley Clarke al contrabajo y Bela Fleck al banjo. En 2006 Ponty volvió a reunir a "Jean Luc Ponty & His Band" y realizó giras por EE.UU., Chile, Venezuela, Europa Occidental y Oriental, Rusia, Oriente Medio e India; también grabaron un nuevo álbum de estudio llamado The Atacama Experience, en el que los guitarristas Allan Holdsworth y Philip Catherine aparecen en algunos temas. Este nuevo CD ha sido publicado en junio de 2007 por Koch Records en Norteamérica y por Universal en Europa, y ha recibido 4 estrellas en la revista estadounidense de jazz Down Beat, así como elogiosas críticas a escala internacional. La mayoría de los críticos dicen que es uno de sus mejores discos desde Enigmatic Ocean. Las giras de conciertos siguieron al lanzamiento de este álbum en EE.UU., Canadá y Europa en 2007 y 2008. A finales de 2008, "Jean Luc Ponty & His Band" se convirtió en un cuarteto sin percusión, un regreso al "sonido Ponty" de los años 70-80 en una versión más jazzística. 2009 comenzó con un concierto en el prestigioso teatro LA FENICE de Venecia (Italia), al que siguieron más conciertos en el extranjero y una primera aparición de la banda de JLP en México. En septiembre, Ponty actuó como invitado del trío Chick Corea - Stanley Clarke - Lenny White junto con Chaka Khan en una velada especial en el Hollywood Bowl, con Stevie Wonder apareciendo por sorpresa para una jam al final. En noviembre, JLP & His Band se embarcaron en una gira por Estados Unidos que comenzó en San Diego (California) y finalizó en Nueva York. En 2010 Ponty tiene previsto actuar con su banda en el Caribe, Europa y Rusia y también dio varios conciertos en Europa a dúo con el pianista alemán Wolfgang Dauner. 2011 ha sido un gran año para JLP. Recibió el "Jazz Legend Award" de manos del alcalde de Cork (Irlanda) tras su actuación con su banda en el Guinness Jazz Festival. En total, JLP ofreció 88 conciertos en 2011, 75 de ellos con "Return To Forever IV" (36 en Estados Unidos - 21 en Europa - 6 en Australia - 6 en Japón - 2 en Corea del Sur - 1 en Israel). También destacó la gira de noviembre por Sudamérica con la "Atlantic Years Band", una reunión de los miembros de la banda americana de Jean Luc de los años 80. 2012 comenzó con un concierto en Sochi, Rusia, donde el mundialmente famoso violista clásico y director de orquesta Yuri Bashmet entregó el Gran Premio del Festival de las Artes de Sochi a Jean Luc tras su actuación con su banda. Posteriormente, en abril, Jean-Luc ofreció un concierto muy especial para celebrar sus 50 años de carrera en el Theatre du Chatelet de París, en el que interpretó su música con la orquesta sinfónica Concerts Pasdeloup y también con artistas invitados como Stanley Clarke, Bireli Lagrene, Daniel Humair y Eddy Louiss. En enero de 2013 JLP participó en una gala en honor del cumpleaños de Yuri Bashmet con la State Symphony Orchestra New Russia en Moscú. Después, en abril, Jean Luc Ponty & His Band actuaron en el Festival de Jazz de Ciudad del Cabo (Sudáfrica). También en 20013, Herbie Hancock le invitó a actuar en Estambul en el "Día Internacional del Jazz" para la UNESCO, con un elenco de estrellas del jazz como Wayne Shorter, John McLaughlin y George Duke, por nombrar algunos. Ponty también fundó un nuevo cuarteto con su hija, la pianista, cantante y compositora Clara Ponty, para actuar en Francia y Alemania. Ponty también interpretó su música con los 89 músicos de la Orquesta Filarmónica de Novosibirsk para el Festival de Navidad de Siberia. En 2014 Ponty ha grabado un álbum como trío acústico con Stanley Clarke al contrabajo y el guitarrista gitano-francés Bireli Lagrene, que saldrá en Impulse/Universal en otoño de 2015. Jean-Luc ha formado recientemente la Anderson Ponty Band con Jon Anderson, cofundador y vocalista de la banda británica de rock progresivo YES, un CD y un DVD saldrán a la venta en 2015 seguidos de una gira mundial de conciertos.

 

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Ben Webster • Ben Webster plays Duke Ellington

 

 

Rob Franken • Fender Rhodes

1941 born Rob Franken was one of the key figures of all European organ players in the 1960s and 1970s. He was the first European to master the Fender Rhodes electric piano and among the first to handle the Hammond B3 organ. Although he was mostly obsessed with the Fender Rhodes throughout the late 1960s, the Hammond was the instrument he was best remembered for. Rob Franken started his career with the folk duo Esther & Abi Ofarim, then he moved to play with Klaus Weiss Trio in the mid 1960s. Soon after he formed his legendary own small combo, The Rob Franken Organization. The Organization released two albums - ‘Pon my soul in 1967 and Ob-la-di ob-la-da in 1969. He also played as a pianist of Toots Thielemans and a permanent organist / keyboard played for Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass. During his relatively short career, Franken played in over 400 records and was a very much liked person among session musicians. His sudden and unexpected death due to an internal hemorrhage at the age of 42 in 1983 ended his glorious career - only three days after his last recording session with the Rhythm Combination and Brass.

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Rob Franken, nacido en 1941, fue una de las figuras clave de todos los organistas europeos en los años 60 y 70. Fue el primer europeo en dominar el piano eléctrico Fender Rhodes y uno de los primeros en manejar el órgano Hammond B3. Aunque estaba mayormente obsesionado con el Fender Rhodes a finales de los 60, el Hammond era el instrumento por el que más se le recordaba. Rob Franken comenzó su carrera con el dúo folclórico Esther & Abi Ofarim, y luego se trasladó a tocar con el Klaus Weiss Trio a mediados de los 60. Poco después formó su legendario pequeño combo, La Organización Rob Franken. La Organización lanzó dos álbumes - 'Pon my soul en 1967 y Ob-la-di ob-la-da en 1969. También tocó como pianista de Toots Thielemans y como organista permanente/teclista de Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass. Durante su relativamente corta carrera, Franken tocó en más de 400 discos y fue una persona muy querida entre los músicos de sesión. Su repentina e inesperada muerte debido a una hemorragia interna a la edad de 42 años en 1983 puso fin a su gloriosa carrera - sólo tres días después de su última sesión de grabación con Rhythm Combination and Brass.

Niels Pedersen & Philip Catherine • Art Of The Duo

 

Review by Rick Anderson
This summit meeting between Niels-Henning Ørsted Pederson, one of the most widely recorded and universally respected bassists in jazz history, and guitarist Philip Catherine, an almost equally revered guitarist and perhaps the foremost keeper of Django Reinhardt's gypsy-jazz flame in his generation, should have been a much more exciting one that it turns out to be. Recorded live in a jazz club in Lausanne, Switzerland, it is unfortunately a fairly tame affair, its highlights hidden behind poor production. (The recording level is so low that you have to crank your stereo up to a painful level just to hear in detail what is going on.) Interestingly, some of the best moments on this album are the bass solos, among them Pederson's dancing choruses on "Stella by Starlight" and on his own knotty composition "The Puzzle". Catherine's playing sounds conservative, almost tentative, and the proceedings rarely catch fire. Notable exceptions include the duo's interplay on "The Puzzle" and on a blazing rendition of the Jerome Kern standard "All the Things You Are". It's by no means a waste of time, but Art of the Duo is also far from the best introduction to the work of either of these fine musicians.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-the-duo-mw0000109055

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Reseña de Rick Anderson
Esta reunión cumbre entre Niels-Henning Ørsted Pederson, uno de los bajistas más ampliamente grabados y universalmente respetados de la historia del jazz, y el guitarrista Philip Catherine, un guitarrista casi igualmente venerado y quizás el principal guardián de la llama del gypsy-jazz de Django Reinhardt en su generación, debería haber sido mucho más emocionante de lo que resultó ser. Grabado en directo en un club de jazz de Lausana (Suiza), es, por desgracia, un disco bastante insípido, cuyos mejores momentos quedan ocultos tras una producción deficiente. (El nivel de grabación es tan bajo que hay que subir el volumen del equipo de música hasta un nivel doloroso sólo para oír con detalle lo que está pasando). Curiosamente, algunos de los mejores momentos de este álbum son los solos de bajo, entre ellos los coros danzantes de Pederson en "Stella by Starlight" y en su propia composición nudosa "The Puzzle". La interpretación de Catherine suena conservadora, casi tentativa, y las actuaciones rara vez prenden fuego. Las excepciones notables incluyen la interacción del dúo en "The Puzzle" y en una interpretación ardiente del estándar de Jerome Kern "All the Things You Are". No es en absoluto una pérdida de tiempo, pero Art of the Duo está lejos de ser la mejor introducción al trabajo de estos dos excelentes músicos.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-the-duo-mw0000109055

Dick Hyman & Niels-Henning Ørsted Pedersen • Elegies, Mostly

Stuff Smith • Swingin' Stuff

 

Review by Scott Yanow

Recorded five days after a similar performance at the Montmartre in Copenhagen by the same personnel (violinist Stuff Smith, pianist Kenny Drew, bassist Niels Pedersen and drummer Alex Riel), Stuff and his quartet are once again heard in top form. Four of the nine songs are repeated from the earlier date, but unfortunately, the music on this LP is currently out of print. On such tunes as "Bugle Blues," "Mack the Knife," "One O'Clock Jump" and "Take the 'A' Train," Stuff Smith shows that he was as hard-swinging an improviser as any horn player and that at the age of 55 he had not run out of gas yet.

https://www.allmusic.com/album/swingin-stuff-mw0000655684

Artist Biography

In the era of early jazz and swing, the violin was often an instrument that carried a hint of an old-fashioned sound--a suggestion of classical music, of the high-society dance orchestra, of the gypsy café music of Europe. But Stuff Smith, considered one of the most important jazz violinists of his time, made music that told a different story: Smith's violin was raucous, rhythmically daring, and bluesy, looking toward the future, not the past. Like most great jazz players, Smith pushed the envelope in his playing, and later in his career he adapted with little difficulty to the new musical language of bebop. Smith also sang and was the composer of several jazz standards.

Hezekiah Leroy Gordon Smith was born in Portsmouth, Ohio, on August 14, 1909, but grew up in Cleveland. His father taught him to play the violin and encouraged him to study classical music. Smith took some music lessons but switched to jazz after hearing Louis Armstrong play the trumpet; Armstrong influenced Smith's own style at a fundamental level. Although he had received a scholarship to study at Johnson C. Smith University, Smith opted for a musical life instead. At age 15 he joined a touring minstrel show, the Aunt Jemima Revue.

In 1926 Smith joined the Dallas-based band of Alphonso Trent; this was one of the so-called “territory” bands that grew from the improvisatory and bluesy roots of jazz rather than moving toward the more composed and arranged style of the eastern seaboard. He stayed with Trent for four years, moving briefly to the band of Ferdinand “Jelly Roll” Morton but returning after becoming frustrated that his violin could not be heard over the dense sound of Morton's group. In 1930 Smith formed his own band in Buffalo, New York.

During his Buffalo years Smith cast one eye on New York, and he got there in late 1935 and 1936 after he composed a scat-like novelty song called “I'se a Muggin'” (the words seem to have no specific meaning). The song caught on, and musician-impresario Dick Stabile booked Smith and his band, which now included drummer “Cozy” Cole, into the Onyx Club on 52nd Street. Rechristened Stuff Smith and His Onyx Club Boys, the band was a successful fixture of the New York scene for several years. The main attraction was Smith himself, attired in a worn-out top hat and sometimes sporting a parrot on his shoulder. Smith and his band also recorded several sides for the Vocalion label in 1936. “I'se a Muggin'” became a moderate hit, but another recording of that year turned out to have longer-lasting resonances--”You'se a Viper,” was covered by vocalist “Fats” Waller in 1943 and enjoyed renewed popularity in the counterculture of the ‘60s and ‘70s.

In musical terms, Smith's Onyx Club years were historically significant; he pioneered the use of the amplified violin, and he developed a bluesy, speech-inflected style that was quite distinct from the European-influenced approaches of Swing Era violinists Joe Venuti, Stephane Grappelli, and Eddie South.

In 1938 Smith appeared in the film ‘Swing Street,’ taking a hiatus from live performing. That took the momentum out of his New York career, and he dissolved his band after a series of disagreements with players and other industry figures. Smith bounced back with a trio that performed in New York (sometimes at the Onyx) and Chicago in the 1940s, and he briefly took over Fats Waller's band after Waller's death in 1943. A series of trio recordings was made in 1943 and 1944, but by the late 1940s Smith's career seemed to be in decline. In the 1950s, to make things worse, Smith suffered from health problems brought on by years of heavy drinking.

Smith was still much admired by his fellow musicians, and he moved to California and continued to perform on what was said to be a centuries-old Guarneri violin. Among his fans was big-time jazz producer Norman Granz, who teamed Smith with bebop trumpeter Dizzy Gillespie and pianist Oscar Peterson for a recording on the Verve label in 1957. It was a measure of the originality of Smith's style that his playing fit as well with this new generation of players as it had with the swing bands of the 1930s. Smith made several albums for Verve and continued to record until shortly before his death.

Touring widely in the 1960s, Smith, like so many other jazz musicians, found that European audiences were especially appreciative of his music. He settled in Copenhagen, Denmark, in 1965 and made several recordings in Europe. Smith fell seriously ill on tour in Paris. Doctors placed him on the critical list; but Smith recovered and continued to perform. He died in Munich, Germany, on September 25, 1967, and was remembered, as “the cat that took the apron-strings off the fiddle.”

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/stuffsmith

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Reseña de Scott Yanow

Grabado cinco días después de una actuación similar en el Montmartre de Copenhague por el mismo personal (el violinista Stuff Smith, el pianista Kenny Drew, el bajista Niels Pedersen y el batería Alex Riel), Stuff y su cuarteto vuelven a ser escuchados en plena forma. Cuatro de las nueve canciones se repiten de la fecha anterior, pero desafortunadamente, la música de este LP está actualmente agotada. En temas como "Bugle Blues", "Mack the Knife", "One O'Clock Jump" y "Take the'A' Train", Stuff Smith demuestra que era un improvisador tan duro como cualquier trompetista y que a la edad de 55 años todavía no se le había acabado el combustible.

https://www.allmusic.com/album/swingin-stuff-mw0000655684

Biografía del artista

En la era del jazz y el swing tempranos, el violín era a menudo un instrumento que llevaba un toque de un sonido anticuado, una sugerencia de la música clásica, de la orquesta de baile de la alta sociedad, de la música gitana de los cafés de Europa. Pero Stuff Smith, considerado uno de los violinistas de jazz más importantes de su tiempo, hizo una música que contaba una historia diferente: El violín de Smith era estridente, rítmicamente atrevido y azul, mirando hacia el futuro, no hacia el pasado. Como la mayoría de los grandes músicos de jazz, Smith traspasó los límites de su forma de tocar, y más tarde en su carrera se adaptó con poca dificultad al nuevo lenguaje musical del bebop. Smith también cantó y fue el compositor de varios estándares de jazz.

Hezekiah Leroy Gordon Smith nació en Portsmouth, Ohio, el 14 de agosto de 1909, pero creció en Cleveland. Su padre le enseñó a tocar el violín y le animó a estudiar música clásica. Smith tomó algunas clases de música pero se cambió al jazz después de escuchar a Louis Armstrong tocar la trompeta; Armstrong influyó en el estilo propio de Smith a un nivel fundamental. Aunque había recibido una beca para estudiar en la Universidad Johnson C. Smith, Smith optó por una vida musical. A los 15 años se unió a un espectáculo de trovadores en gira, la revista Aunt Jemima Revue.

En 1926 Smith se unió a la banda de Alphonso Trent, con sede en Dallas; ésta era una de las llamadas bandas de "territorio" que crecieron a partir de las raíces improvisadas y azules del jazz en lugar de moverse hacia el estilo más compuesto y arreglado de la costa oriental. Permaneció con Trent durante cuatro años, pasando brevemente a la banda de Ferdinand "Jelly Roll" Morton, pero regresó después de frustrarse porque su violín no podía ser escuchado por el denso sonido del grupo de Morton. En 1930 Smith formó su propia banda en Buffalo, Nueva York.

Durante sus años en Buffalo Smith puso un ojo en Nueva York, y llegó allí a finales de 1935 y 1936 después de que compusiera una canción novedosa llamada "I'se a Muggin'" (las palabras parecen no tener un significado específico). La canción se popularizó y el músico e impresionario Dick Stabile contrató a Smith y su banda, que ahora incluía al baterista "Cozy" Cole, en el Onyx Club de la calle 52. Recristened Stuff Smith and His Onyx Club Boys, la banda fue un éxito en la escena neoyorquina durante varios años. La principal atracción era el propio Smith, vestido con un sombrero de copa desgastado y a veces con un loro en el hombro. Smith y su banda también grabaron varios lados para el sello Vocalion en 1936. "I'se a Muggin'" se convirtió en un éxito moderado, pero otra grabación de ese año resultó tener resonancias más duraderas: "You'se a Viper", fue cubierta por el vocalista "Fats" Waller en 1943 y gozó de una renovada popularidad en la contracultura de los años 60 y 70.

En términos musicales, los años del Onyx Club de Smith fueron históricamente significativos; fue pionero en el uso del violín amplificado, y desarrolló un estilo blues y de habla que era muy distinto de los enfoques europeos de los violinistas de la Era del Swing Joe Venuti, Stephane Grappelli y Eddie South.

En 1938 Smith apareció en la película'Swing Street', tomando un descanso de la actuación en vivo. Eso le quitó el impulso a su carrera en Nueva York, y disolvió su banda después de una serie de desacuerdos con jugadores y otras figuras de la industria. Smith se recuperó con un trío que actuó en Nueva York (a veces en el Onyx) y Chicago en la década de 1940, y se hizo cargo brevemente de la banda de Fats Waller después de la muerte de Waller en 1943. Una serie de grabaciones de tríos se hicieron en 1943 y 1944, pero a finales de la década de 1940 la carrera de Smith parecía estar en declive. En la década de 1950, para empeorar las cosas, Smith sufría de problemas de salud causados por años de consumo excesivo de alcohol.

Smith todavía era muy admirado por sus compañeros músicos, y se mudó a California y continuó tocando en lo que se decía era un violín Guarneri de siglos de antigüedad. Entre sus fans se encontraba el gran productor de jazz Norman Granz, que se unió a Smith con el trompetista de bebop Dizzy Gillespie y el pianista Oscar Peterson para una grabación en el sello Verve en 1957. Fue una medida de la originalidad del estilo de Smith que su forma de tocar encajaba tan bien con esta nueva generación de jugadores como con las bandas de swing de la década de 1930. Smith hizo varios discos para Verve y continuó grabando hasta poco antes de su muerte.

Smith todavía era muy admirado por sus compañeros músicos, y se mudó a California y continuó tocando en lo que se decía era un violín Guarneri de siglos de antigüedad. Entre sus fans se encontraba el gran productor de jazz Norman Granz, que se unió a Smith con el trompetista de bebop Dizzy Gillespie y el pianista Oscar Peterson para una grabación en el sello Verve en 1957. Fue una medida de la originalidad del estilo de Smith que su forma de tocar encajaba tan bien con esta nueva generación de jugadores como con las bandas de swing de la década de 1930. Smith hizo varios discos para Verve y continuó grabando hasta poco antes de su muerte.

De gira en los años sesenta, Smith, como tantos otros músicos de jazz, descubrió que el público europeo apreciaba especialmente su música. Se estableció en Copenhague, Dinamarca, en 1965 y realizó varias grabaciones en Europa. Smith cayó gravemente enfermo durante una gira por París. Los médicos lo colocaron en la lista crítica, pero Smith se recuperó y siguió actuando. Murió en Munich, Alemania, el 25 de septiembre de 1967, y fue recordado como "el gato que quitó el delantal del violín".

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/stuffsmith

Tete Montoliu & Niels-Henning Ørsted Pedersen • Face To Face

 

Niels-Henning Ørsted Pedersen Trio • To A Brother

 

Niels-Henning Ørsted Pedersen (27 May 1946 – 19 April 2005) was a Danish jazz bassist known for his impressive technique and an approach that could be considered an extension of the innovative work of Scott LaFaro. He was born in Osted near Roskilde, on the Danish island of Zealand.

The "great Dane with the never-ending name" was known as "NHØP" among many jazz fans. In Denmark he was most often simply talked about as "Niels-Henning" and certainly never "Pedersen", a name shared by almost 4% of the Danish population..

As a child, NHØP played piano. As a teenager, he started learning to play contrabass and at the age of 14, he began his professional jazz career in Jazzhus Montmartre in Copenhagen. At 17 he turned down an offer to join the Count Basie orchestra.

During the 1960s, NHØP played with several important American jazzmen who were touring in Denmark, including Albert Ayler, Bill Evans, Brew Moore, Bud Powell, Count Basie, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie, Jackie McLean, Roland Kirk, Oscar Peterson, Sonny Rollins, and the vocalist Ella Fitzgerald.

In the 1970s he worked in a duo with pianist Kenny Drew, and began making occasional appearances with the Oscar Peterson Trio throughout Europe and North America. Together, they have recorded over 50 albums.

He has also worked with Stéphane Grappelli and recorded extensively as a leader. His most known songs are My little Anna, Jaywalkin and The Puzzle. Besides jazz, he also was an interpreter of Danish folk poetry and songs. Besides many other awards, he was also awarded the Nordic Council Music Prize in 1991.

Together with his friend Ole Koch Hansen he toured Denmark with the theme "Danske toner" comprising old Danish folk songs.

NHØP died in Copenhagen, Denmark, of heart failure, at the age of 58. User-contributed text is available under the Creative Commons By-SA License and may also be available under the GNU FDL.
https://www.jazzmusicarchives.com/artist/niels-henning-%C3%B8rsted-pedersen

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Niels-Henning Ørsted Pedersen (27 de mayo de 1946 – 19 de abril de 2005) fue un bajista de jazz danés conocido por su impresionante técnica y un enfoque que podría considerarse una extensión del innovador trabajo de Scott LaFaro. Nació en Osted, cerca de Roskilde, en la isla danesa de Zelanda.

El "gran danés con el nombre interminable" era conocido como "NHØP" entre muchos fanáticos del jazz. En Dinamarca, a menudo se hablaba simplemente de él como " Niels-Henning "y ciertamente nunca como "Pedersen", un nombre compartido por casi el 4% de la población danesa..

De niña, NHØP tocaba el piano. Cuando era adolescente, comenzó a aprender a tocar el contrabajo y, a los 14 años, comenzó su carrera profesional de jazz en Jazzhus Montmartre en Copenhague. A los 17 años rechazó una oferta para unirse a la orquesta Count Basie.

Durante la década de 1960, NHØP tocó con varios jazzistas estadounidenses importantes que estaban de gira en Dinamarca, incluidos Albert Ayler, Bill Evans, Brew Moore, Bud Powell, Count Basie, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie, Jackie McLean, Roland Kirk, Oscar Peterson, Sonny Rollins y la vocalista Ella Fitzgerald.

En la década de 1970 trabajó a dúo con el pianista Kenny Drew y comenzó a hacer apariciones ocasionales con el Trío Oscar Peterson en Europa y América del Norte. Juntos, han grabado más de 50 álbumes.

También ha trabajado con Stéphane Grappelli y ha grabado extensamente como líder. Sus canciones más conocidas son My little Anna, Jaywalkin y The Puzzle. Además del jazz, también fue intérprete de poesía y canciones folclóricas danesas. Además de muchos otros premios, también fue galardonado con el Premio de Música del Consejo Nórdico en 1991.

Junto con su amigo Ole Koch Hansen realizó una gira por Dinamarca con el tema "Danske toner" que comprende canciones folclóricas danesas antiguas.

NHØP murió en Copenhague, Dinamarca, de insuficiencia cardíaca, a la edad de 58 años. El texto aportado por el usuario está disponible bajo la licencia Creative Commons By-SA y también puede estar disponible bajo la FDL de GNU.
https://www.jazzmusicarchives.com/artist/niels-henning-%C3%B8rsted-pedersen

Phil Woods with NHØP Trio • Live at Sandviken, Sweden

 

Bud Powell • Bouncing With Bud

 

A number of Storyville Records' iconic jazz and blues albums are now  available in a new series of remastered high quality vinyl releases. Featuring some of the best artists from the vast Storyville catalogue, the “Storyville Vinyl Remasters” series presents great music on deluxe vinyl.

Each release is limited edition, pressed onto 180 gram virgin vinyl with the original covers and sleeve notes preserved. Updated notes have been added to the inner sleeves and a free download of the album is included. The audio has been remastered specifically for vinyl to secure the best sound that these great releases deserve.

Bud Powell was a jazz pianist of rare talent, perhaps unique in his ability to inject vocal inflections into his improvisational playing. He reached a peak by the late 1940s although sadly by the 1950s he seemed to be succumbing to the mental illness that had plagued him all his life. Unexpectedly his career had a sporadic revival after he moved to France in 1959. Cared for by a friend, Bud Powell still proved capable of giving performances occasionally as brilliantly fluent as his finest from the 1940s. One of these performances were immortalized on this recording from Jazzhus Montmartre in 1962.
https://www.storyvillerecords.com/products/bouncing-with-bud-6017005

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Varios de los icónicos álbumes de jazz y blues de Storyville Records están ahora disponibles en una nueva serie de lanzamientos de vinilo remasterizados de alta calidad. Con algunos de los mejores artistas del vasto catálogo de Storyville, la serie "Storyville Vinyl Remasters" presenta gran música en vinilo de lujo.

Cada lanzamiento es de edición limitada, prensado en vinilo virgen de 180 gramos, conservando las tapas y notas originales. Se han añadido notas actualizadas a las fundas interiores y se incluye una descarga gratuita del álbum. El audio ha sido remasterizado específicamente para el vinilo para asegurar el mejor sonido que estos grandes lanzamientos merecen.

Bud Powell era un pianista de jazz de raro talento, quizás único en su habilidad de inyectar inflexiones vocales en sus interpretaciones de improvisación. Llegó a su apogeo a finales de los años 40, aunque tristemente en los 50 parecía estar sucumbiendo a la enfermedad mental que le había acosado toda su vida. Inesperadamente su carrera tuvo un resurgimiento esporádico después de que se mudara a Francia en 1959. Cuidados por un amigo, Bud Powell todavía era capaz de dar ocasionalmente actuaciones tan brillantes como las mejores de los años 40. Una de estas actuaciones fue inmortalizada en esta grabación de Jazzhus Montmartre en 1962.
https://www.storyvillerecords.com/products/bouncing-with-bud-6017005

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Rune Gustafsson • String Along With Basie

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Toots Thielemans • Live

 

Milt Jackson • The Milt Jackson Big Four at The Montreaux Jazz Festival

 

Rune Gustafsson-Niels-Henning Ørsted Pedersen • Just The Way You Are

 

Sahib Shihab • Sentiments

 

Review by Ken Dryden
Like many Americans who opt to live and work in Europe, the recorded legacy of multi-reed player Sahib Shihab tends to be overlooked by fans in his native land. Sentiments pairs recordings he made for two separate albums between 1965 and 1971. On the 1971 session, he's accompanied by fellow expatriate Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Jimmy Hopps. Most of the compositions are by the leader, starting with the exotic blend of hard bop and African rhythm, featuring Shihab's dancing soprano sax and Pedersen's bass solo. Drew switches to organ and Pedersen makes a relatively rare appearance on electric bass on the funky "Sentiments." The leader switches to baritone sax for Drew's exuberant ballad "Extase." The 1965 sessions feature Shihab as a guest with the Danish Radio Jazz Group, playing six of his originals. "Di-Da" is a catchy hard bop tune in which one note is repeatedly echoed by members of the group, though the pattern disappears as he launches his powerful baritone sax. The moody "Tenth Lament" and the perky "Harvey's Tune" are also highlights, with Shihab switching to flute for the latter piece. The supporting cast has a number of top European musicians, including Niels Pedersen, pianist Bent Axen, trumpeters Palle Mikkelborg and Allan Botschinsky, and drummer Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

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Reseña de Ken Dryden
Al igual que muchos estadounidenses que optan por vivir y trabajar en Europa, el legado discográfico del multirepetidor Sahib Shihab tiende a ser pasado por alto por los aficionados de su tierra natal. Sentiments reúne grabaciones que realizó para dos álbumes distintos entre 1965 y 1971. En la sesión de 1971, le acompañan su compatriota Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Jimmy Hopps. La mayoría de las composiciones son del líder, empezando por la exótica mezcla de hard bop y ritmo africano, con el saxo soprano danzante de Shihab y el solo de bajo de Pedersen. Drew cambia al órgano y Pedersen hace una aparición relativamente rara con el bajo eléctrico en la funky «Sentiments». El líder cambia al saxo barítono para la exuberante balada de Drew «Extase». Las sesiones de 1965 presentan a Shihab como invitado con el Danish Radio Jazz Group, tocando seis de sus originales. «Di-Da» es un pegadizo tema de hard bop en el que una nota es repetidamente repetida por los miembros del grupo, aunque el patrón desaparece cuando él lanza su poderoso saxo barítono. El malhumorado «Tenth Lament» y la alegre «Harvey's Tune» son también temas destacados, con Shihab cambiando a la flauta para esta última pieza. El elenco de acompañantes cuenta con músicos europeos de primera fila, como Niels Pedersen, el pianista Bent Axen, los trompetistas Palle Mikkelborg y Allan Botschinsky, y el batería Alex Riel.
https://www.allmusic.com/album/sentiments-mw0000206402

Dexter Gordon • Jazz At Highschool

 

Review by Ken Dryden
Dexter Gordon is represented by a large discography, though the late '60s are little documented. The discovery of this previously unissued radio broadcast from 1969 is a real treasure, as the tenor saxophonist is in superb form, accompanied by some of his favorite musicians: pianist Kenny Drew, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and drummer Albert "Tootie" Heath. He revisits "Soy Califa," an original written for a Blue Note session earlier in the decade; this hard bop vehicle opens the show with a flourish. Gordon and Drew share the spotlight in a sensitive treatment of "The Shadow of Your Smile." His loping blues "Society Red" features Pedersen's incredible solo work, while "The Blues Up and Down" (co-written by fellow tenor saxophonists Sonny Stitt and Gene Ammons) works perfectly well for Gordon without a sparring partner on his instrument. Beautifully recorded with excellent balance between the musicians and an attentive, respectful audience, it should be considered a mandatory purchase for hard bop fans.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

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Reseña de Ken Dryden
Dexter Gordon está representado por una amplia discografía, aunque los últimos años de la década de los 60 están poco documentados. El descubrimiento de esta emisión radiofónica inédita de 1969 es un verdadero tesoro, ya que el saxofonista tenor está en magnífica forma, acompañado por algunos de sus músicos favoritos: el pianista Kenny Drew, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y el batería Albert «Tootie» Heath. Vuelve a tocar «Soy Califa», un original escrito para una sesión de Blue Note a principios de la década; este vehículo de hard bop abre el espectáculo con una floritura. Gordon y Drew comparten el protagonismo en un sensible tratamiento de «The Shadow of Your Smile». Su flojo blues «Society Red» cuenta con el increíble trabajo en solitario de Pedersen, mientras que «The Blues Up and Down» (co-escrito por sus compañeros saxofonistas tenores Sonny Stitt y Gene Ammons) funciona perfectamente bien para Gordon sin un sparring en su instrumento. Magníficamente grabado, con un excelente equilibrio entre los músicos y un público atento y respetuoso, debería considerarse una compra obligatoria para los aficionados al hard bop.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-highschool-mw0000206403

Kenny Drew Trio • Swingin' Love

Dexter Gordon • One Flight Up

 

Review
by Michael G. Nastos  
When he expatriated to Scandinavia just before this session in Paris was recorded, Dexter Gordon said he was liberated in many ways, as a jazz musician and as a human being. This is reflected in the lengthy track on this album, a testament to that newly found freedom, addressing the restrictions the American music scene placed on artists to do the two- to three-minute hit. With the nearly 18-minute "Tanya" and the 11-minute "Coppin' the Haven," Gordon and his quintet, featuring trumpeter Donald Byrd, were able to jam at length with no thought of being edited, and they fully prolong their instrumental remarks in a way few other musicians -- jazz or otherwise -- would allow themselves. Yes, it would be difficult to hear these tracks on the radio, but the tradeoff was a listening experience for their fans that would also showcase a rare commodity in the lexicon of their style of post-bop mainstream jazz -- consistency. The simple, sweet, and lightly swinging "Tanya" has become a classic song, and it is a staple in most saxophonists' diets, even though the supportive chord structures from pianist Kenny Drew and Byrd's up-front brass are more attractive or noticeable than Gordon's bluesy tenor. Memorable for many reasons, Drew's brilliant composition "Coppin' the Haven" is textbook modern jazz, a modal minor-key delight as Byrd again dominates with a shining, gliding melody tacked on to an easy swing that exemplifies the song form for jazz in its best sense. Gordon steps up apart from the trumpeter on the great ballad "Darn That Dream," and is at his best, wringing every regretful emotion out of his horn as only he can. The CD version contains the bonus track "Kong Neptune" sans Byrd, a good swinger that cops from no other influences, merging the mythical strengths of the two creatures in its title via Gordon's muscular, lithe, and athletic on-land and at-sea horn. At around 47 substantive minutes of music, One Flight Up stands as a testament to Dexter Gordon's viability as a bandleader and teammate, while his individualism is somewhat sublimated. It's a good listen to digest all the way through, especially if you are as patient as the performers, who have a lot to say.}
https://www.allmusic.com/album/one-flight-up-mw0000199303

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Cuando se expatrió a Escandinavia justo antes de que se grabara esta sesión en París, Dexter Gordon dijo que se había liberado en muchos sentidos, como músico de jazz y como ser humano. Esto se refleja en el largo tema de este álbum, testimonio de esa libertad recién encontrada, que aborda las restricciones que la escena musical estadounidense imponía a los artistas para hacer el hit de dos o tres minutos. Con "Tanya", de casi 18 minutos, y "Coppin' the Haven", de 11 minutos, Gordon y su quinteto, en el que destaca el trompetista Donald Byrd, pudieron improvisar sin pensar en ser editados, y prolongaron al máximo sus comentarios instrumentales de una forma que pocos músicos, de jazz o no, se permitirían. Sí, sería difícil escuchar estos temas en la radio, pero la compensación era una experiencia auditiva para sus fans que también mostraría un bien raro en el léxico de su estilo de jazz post-bop mainstream: la consistencia. La sencilla, dulce y ligeramente oscilante "Tanya" se ha convertido en una canción clásica, y es un elemento básico en la dieta de la mayoría de los saxofonistas, a pesar de que las estructuras de acordes de apoyo del pianista Kenny Drew y los metales de Byrd son más atractivos o notables que el tenor bluesy de Gordon. Memorable por muchas razones, la brillante composición de Drew "Coppin' the Haven" es jazz moderno de manual, una delicia modal en clave menor en la que Byrd domina de nuevo con una melodía brillante y deslizante unida a un swing fácil que ejemplifica la forma de canción para el jazz en su mejor sentido. Gordon se separa del trompetista en la gran balada "Darn That Dream", y está en su mejor momento, exprimiendo cada emoción lamentosa de su trompa como sólo él puede hacerlo. La versión en CD contiene el tema extra "Kong Neptune" sin Byrd, un buen swinger que no bebe de otras influencias, fusionando las fuerzas míticas de las dos criaturas de su título a través de la musculosa, ágil y atlética trompa de Gordon en tierra y mar. Con unos 47 sustanciosos minutos de música, One Flight Up se erige como un testamento de la viabilidad de Dexter Gordon como líder de banda y compañero de equipo, mientras su individualismo queda algo sublimado. Es una buena escucha para digerir hasta el final, especialmente si se es tan paciente como los intérpretes, que tienen mucho que decir.}
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